La noticia llevaba rondando un par de días, pero hasta que no me encontré con semejante frase, no me decidí a postearla. El ruido es considerado por la jurisdicción estatal como lesión a partir del caso de una pareja que ha llegado a sufrir un trastorno depresivo ansioso seguido de fobia acústica. El periódico en cuestión habla de que
A las víctimas nada les compensará la tortura sufrida
La pena al parecer se basa en los efectos psíquicos causados en los demandantes, por lo que el periódico en cuestión vio necesario acompañar la noticia con otro artículo y un diagrama en el que demostraba que existen tres fuentes que están por encima del umbral del dolor. El martillo hidráulico, el tubo de escape de las motos y los aviones. Aunque las asociaciones ciudadanas centran mayor número de quejas en estas tres fuentes, las penas suelen recaer finalmente en bares y vecinos.
El ruido es delito. El Tribunal Supremo ha confirmado con una sentencia a todo volumen las tesis de quienes defienden que el exceso de ruido debe equipararse a una agresión física. El alto tribunal ha confirmado una sentencia de la Audiencia de Barcelona de enero de 2009 que condenó a cinco años y medio de prisión a la propietaria de un pub del casco viejo de Barcelona, en lo que fue el primer fallo en el que el ruido se consideró como un delito de lesiones, y no de falta como había sucedido hasta ahora.
Si os ha tocado la fibra, aquí tenéis otro estupendísimo video:
http://www.youtube.com/watch?v=Q77YBmtd2Rw
Pensabais que no se podía superar el Rubber Johnny de Chris Cunningham Aphex Twin, verdad?, pues si se puede si.
May 18-22 2010 we present cutting-edge digital art from all over the world. We will be hosting concerts, installations and multimedia performances at Huset i Magstræde in down-town Copenhagen.
Are you an artist working in multimedia, cross-media or any similar digital art form interested in participating? Go to our call-for-proposals to find out about the categories. Upload your proposals: we need you to make re-new 2010 a great event!
Do yo want to experience what is happening in new and experimental digital art today? Sign up for our newsletter and come and join re-new 2010 in Copenhagen in may 2010.
We will also host a workshop in Max for Live on May 22-23 as part of re-new 2010. We will have top tutors from Ableton and Cycling74, names to be revealed soon?
Finally, we organise the three-day international seminar ?Mixed Emotions? that will deal with the use and exploration of human and synthetic emotion in digital design, software and art. Lecturers and presenters will be internationally reknowned designers and researchers from business and academia.
Via Monoskop han colgado el Manifiesto por el silencio, publicado en 2007 y en versión amistosa desde esta semana. Más allá de oponerse a la contaminación acústica de manera médica, argumenta que el silencio, es una necesidad, entre otras cosas para la religión y el pensamiento.
Silence has played a crucial role in human history in important areas of our existence such as religion and the arts. Yet we live in an increasingly noisy society in which silence is under perpetual assault from the 24/7 lifestyle. The business world cynically exploits noise as part of its marketing strategy; the military deploys noise as a weapon. Without question, noise is a political issue on a global scale.This book mounts a strong argument for silence, arguing that we need more rather than less of it in our lives. The alternative is an environment scarred even further by noise, so often the forgotten pollutant. Stuart Sim explores why silence matters, where it matters – in religion, health, the arts, thought – and why we?ll suffer if space is not made for it. The confrontation between the politics of noise and the politics of silence is an issue on which we cannot stay neutral.
Publisher Edinburgh University Press, 2007
ISBN 0748625917, 9780748625918
Length 215 pages
Sacado de la página Modern Mechanix, enlazamos una buena recopilación de inventos con sus fotos vintage sobre la historia de la Radio y el Teléfono, esos dos aparatos que tanto han cambiado la cultura aural en el último siglo. En esta recopilación se estractan noticias de revistas como Ilustrated World, Science and Mechanics o de Time entre otras, casi como refernte de los actuales blogs dedicados a gadgets digitales.
3rd European competition for live-electronic music projects. 2010
The ECPNM – European Conference of Promoters of New Music hosts the third European competition for the composition and interpretation of live-electronic music projects.
The organizing partners of this competition are members of the ECPNM such as: EULEC in Lüneburg / Hamburg, Germany; MISO Music, Portugal; Gaudeamus Music Week, the Netherlands; November Musi, the Netherlands.
The organizers of this competition are looking for project proposals that demonstrate in an innovative way new possibilities for the combination of instruments and live-electronics as well as innovative use of live-electronics with the composer as a performer. A maximum of two projects in each category will be selected by a jury (representatives of the above-mentioned organisations); these projects should be pre-produced by the applicants and will then be premiered during the festival Avantgarde Tirol, in Rattenberg, Austria; further performances will take place during events of the organisations mentioned above.
1. Entry of projects.
Entries are possible into 2 categories:
- 1. works involving violin or electric violin (5 strings: C-G-D-A-E) or viola and live-electronics, to be performed by the Dutch/German violinist Barbara Lüneburg (the live-electronics part should be developed in a way that the pieces can eventually be performed without the composer being necessarily present; a sound engineer with experience in programmes such as Super collider or Max MSP should be able to perform the piece)
For more information concerning the instruments or concerning questions of technical requirements/sound engineering please contact Barbara Lüneburg:
http://www.barbara-lueneburg.com/
- 2. works for live-electronics only or with any traditional instrument and live-electronics, in which composer and performer are the same person
? The competition is open only to composers with a European citizenship or composers and interpreters living in Europe since at least 10 years.
? The maximum age of the composer is 40 years.
? Entries consist of a musical and technical description of the project. The project descriptions should be in English, German or French.
? The duration of the entered projects should be between 8 and 12 minutes.
? The projects should be fit for performance using a stereo or quadraphonic loudspeaker system (PA- and video equipment is provided by the concert hall); furthermore the composers should be able to bring their own performance material / instrument / equipment.
? The use of video or image is allowed.
? The proposed project should be a new work. The entry however should include a presentation of previous work(s) of the composer (by means of live-recordings on CD or DVD or in another digital version).
? Furthermore the entry should include a biography of the composer, address, date of birth.
Entries which do not fully apply to the conditions mentioned above will not be considered by the jury.
2. Selection of projects
A jury, consisting of representatives of the above-mentioned organising partners, will study the proposals and will select a maximum of six projects for performance. The selected projects will be pre-produced by the selected composers and premiered during the Avantgarde Tirol festival in Rattenberg, Austria, at a concert during the weekend of 20-22 August 2010. After the performance one project will be selected as prize winner.
During the seasons 2010/2011/2012 the prize-winning project will be programmed by the organising partners; further performances (possibly also including those of the other selected projects) may be possible at activities of other members of the ECPNM
Deadline.
Deadline for entry of projects is: 1 March 2010.
Entries should be sent to:
ECPNM, c/o Music Center the Netherlands, Contemporary Music Dept.,
Rokin 111, 1012 KN Amsterdam, the Netherlands
Tel.31.20.3446060, fax 31.20.6733588, e-mail info@ecpnm.com.
www.ecpnm.com
Al parecer esto es lo que pasa si colocas una máquina que escupe ruido en una calle de Nueva Delhi. No sé si realmente la performance que se marcan los niños será muy espontánea porque casualmente hay alguien grabándolos que les da las gracias al final, pero bueno, en cualquier caso queda claro que se emocionaron con el asunto.
Por cierto, si a alguien le apetece cambiar la tele del salón por este cacharro, actualmente está en una galería en la India y a finales de enero si a alguien le interesa y está dispuesto a pagar el transporte se la puede quedar, sólo tenéis que contactar con el artista, Yuri Suzuki.
Over the past five years the Australian Sound Design Project (ASDP) has pioneered the interdisciplinary field of sound design in public space through its website, database, publications, exhibitions and public advocacy. The original works of over 200 sound designers, artists and composers have been published in sound text and image in the gallery. All entries can be accessed through the browser, by work, artist, place, function, organisation and events. These free and accessible research tools, the text, graphics, video, sound, two advanced search engines and multi-media refereed articles have been used by academics and the public sector to source information, and as a basis for sound courses worldwide.
Visit their Web Site: Australian Sound Design Project
En el genial Monoskop/log hemos encontrado este documento publicado en 2008 por el colectivo Ultra-Red.
Ultra-Red
10 Preliminary Theses on Militant Sound Investigation
Issue 5 of Artists & activists
Publisher Printed Matter, 2008
ISBN 089439035X, 9780894390357
10 pages
International sound art collective Ultra-red released this document to trigger discussion both within the collective and beyond on the theory and practice of sound-based activism.
Thesis #1: The field of sound is the site and the means of the Militant Sound Investigation.
Regardless whether analogue or digital, the record gives object form to an undifferentiated field of sound. Through both magnetic particles and binary code, experience enters into the record and becomes available to be repeated and analyzed.
What initially sounded like undifferentiated registers acquires through repetition and analysis a different texture of audibility. It is as if need, demand, desire have been rendered concrete. Militant Sound Investigation, simply put, derives from a practice of listening that intervenes upon the presumed fi delity of the audio recording. Analysis of the registers of need, demand, desire begins with an initial cut in the record. This may occur as an edit that differentiates between the terms within a sound field that will have been heard in real-time.
Leyendo ahora el comentario que dejaba el compañero Carlos sobre “la diferencia entre la noción de ruido en la cultura latina y anglosajona”, me he acordado de un texto que leí hace unos años sobre las connotaciones de la palabra ‘ruido’ en alemán, un idioma que tiene varios términos diferentes para definir este concepto:
Hablar de ‘ruido’ en el sentido de ‘música noise (ruidista)’ revela tanto el alcance como los limites del idioma ingles [el texto original es en ingles, pero creo que se podría sustituir por español]. En alemán, hay al menos tres palabras y connotaciones diferentes para ‘ruido’:
1. ‘ruido’ como ‘Krach’, significando una experiencia sonora desagradable, normalmente a un volumen alto. Por ejemplo, si alguien entra en la fiesta de otra persona y pregunta: “¿Cómo estáis haciendo tanto ruido?”. Esta connotación es la que suele darle a la música noise su mala publicidad.
2. ‘ruido’ como ‘Geräusch’, significando una experiencia sonora indefinida: “¿Qué fue ese ruido?”, aunque también se puede usar para referirse a un sonido de algo conocido que se caracteriza precisamente por cómo suena: “El ruido de un BMW”. En este caso encontramos el sentido de ‘ruido’ tal y como se percibía en el futurismo italiano.
También refleja cierta actitud de escucha, como citaba Heidegger en El ser y el tiempo: “Habitualmente es necesaria una actitud muy artificial para percibir un ruido puro. Escuchamos una moto que se acerca por la calle o una puerta que se cierra por culpa del viento” [cita libre]. Heidegger llamaba a esto “hechos de escucha”, por ejemplo, la moto, la puerta. En sus términos, prueban la “factibilidad de la existencia”, aferrándose a los hechos mientras suceden.
3. ‘ruido’ como ‘Rauschen’, significando técnicamente un campo de frecuencias bien distribuidas, como en ‘ruido blanco’ ['weiße Rauschen']. También puede referirse al sonido de las hojas en un bosque (’Waldesrauschen’), lo que le añade una connotación romántica.
Creo que en alemán se refieren a la música noise simplemente como noise, igual que en inglés o en castellano, pero estaría bien que alguien que sepa más alemán que yo (o un alemán directamente) lo confirmase.
El AV Festival 10: Energy se celebrará en varias ciudades del noreste de Inglaterra del 5 al 14 de marzo. Este año, este festival dedicado al arte electrónico girará en torno al tema de la energía.
El festival incluirá exposiciones, actuaciones en directo, proyecciones, charlas, simposios, etc. Algunos de los nombres incluidos en esta edición son, entre otros muchos, Kenneth Anger, Bruce Conner, Charlemagne Palestine, Brandon LaBelle, Bill Fontana y Kanta Horio. Una de las propuestas más curiosas es un concierto que se podrá escuchar desde el agua:
El sonido viaja 4′5 veces más rápido bajo el agua, un fenómeno que se podrá experimentar directamente durante el AV Festival 10. En el entorno espectacular del Sunderland Aquatic Centre, dos de los grupos electrónicos más influyentes de Europa [Cluster y :Zoviet*France] actuarán en directo para que el público los escuche debajo del agua o al lado de la piscina, una experiencia única en la vida.
Yo ya me imagino rápidamente en semejante concierto en bañador…
Por otro lado, Will Schrimshaw, quien nos ha hecho llegar esta información, propone junto a Jamie Allen un evento especial de una semana titulado Resonator que investigará las vibraciones y el sonido como formas de energía. En un taller abierto, varios artistas sonoros, investigadores, teólogos, especialistas en tecnología y místicos se unirán para pensar en el entorno sonoro tanto en un sentido material como espiritual.
Debo reconocer que al publicar este post mientras navegaba entre las impresionantemente pijas imágenes del edificio donde se celebra este festival, me saltaron a la cabeza algunas reflexiones.
Siento que gran parte de las actividades que se realizan en este tipo de espacios y festivales están desconectadas de la realidad, eso es lo que percibo, no resuena en ellos lo que realmente esta pasando en el mundo, me da la impresión de que vivieran en la burbuja de un anacronismo retrogrado, congelados en el tiempo por un conjunto de sofismas añejos que utilizan para sustentar sus argumentos. (Como aquél de que utilizar tecnología es suficiente para ser vanguardia). No parece lógico pensar que un creador insensible o desconectado de la realidad del mundo simultáneamente pueda ser actual. Hace años el poeta galego Celso Emilio Ferreiro escribía en Caracas: ?creo en muchas cosas increíbles, pero que halla seres capaces de leer tranquilamente la prensa sin sentir temblar de asco sus vísceras, eso nunca podré creerlo?.
En todo caso este premio esta abierto a la participación y ese es un aspecto positivo, muchos premios se están convirtiendo en espacios exclusivos de las élites o se restringen con pagos de cuotas de inscripción. Algunos intentaremos enviar algún material que proponga esta reflexión entorno a la desconexión del arte con la realidad, aunque sinceramente, ante semejante despliegue de lujo y colorines será como arar en el mar.
Since 1987, the Prix Ars Electronica has served as an interdisciplinary platform for everyone who uses the computer as a universal medium for implementing and designing their creative projects at the interface of art, technology and society.
The Prix Ars Electronica, the Ars Electronica Festival, the Ars Electronica Center ? Museum of the Future and the Ars Electronica Futurelab are the four divisions that comprise the Ars Electronica Linz GmbH, whose specific orientation and long-term continuity make it a unique platform for digital art and media culture.
The competition is organized by the Ars Electronica Linz GmbH and ORF?s Upper Austria Regional Studio in collaboration with the OK Center for Contemporary Art and the Brucknerhaus Linz, and the prizes are awarded during the Ars Electronica Festival each year. The Prix Ars Electronica is one of the most important awards for creativity and pioneering spirit in the field of digital media.
The event calls for entries in seven categories, including a youth competition. And since internationally renowned artists from over 70 countries also participate in the Prix Ars Electronica, it has established itself as a barometer for trends in contemporary media art.
With 42.245 entries since 1987 and prize money in 2010 totalling 117, 500 Euros, the competition offers the largest cash purse for cyberarts worldwide. Each year, six Golden Nicas, twelve Awards of Distinction and approximately 70 Honorary Mentions as well as a grant for the category [the next idea] voestalpine Art and Technology Grant are presented to participants.
Since media art is such a highly dynamic field, criteria for the categories have to be constantly modified and adjusted to societal and technological developments, and so updated to meet new demands.
The Prix Ars Electronica calls for entries and awards prizes in the following seven categories:
The call for the Prix Ars Electronica goes out every year in December; submissions are accepted up into March. International juries select the winners for each category in April.
Events of the Prix Ars Electronica during the Ars Electronica Festival
During the Ars Electronica Festival in September, the Golden Nicas, Awards of Distinction and Honorary Mentions are awarded with pomp at the Ars Electronica Gala. The winners of the Golden Nicas and Awards of Distinction are also invited to present their projects at the Prix Ars Electronica Forums which are held over a number of days. Webcasts of these forums are available at www.aec.at
The Ars Electronica Festival presents the CyberArts Exhibition annually as one of its main shows at the OK Center for Contemporary Art. It showcases the winning projects of the latest Prix Ars Electronica. The Museum of the Future, on the other hand, devotes a special exhibition for an entire year to the projects from the youth competition ?u19 ? freestyle computing?.
Formatted specially for the Festival, the award-winning works from the category “Computer Animation / Film / VFX” are shown at the Ars Electronica Animation Festival with the Electronic Theatre. The ?Digital Musics? winners present their works in the form of concerts conceived as part of the programme of Ars Electronica Nightlines.
Documentation
Information about the prize-winners and their projects as well as the jury statements are published each year in the CyberArts catalogue (which includes a DVD and CD) and is distributed worldwide by Hatje Cantz Verlag.
Details on prize-winners, winning projects and jury statements since the competition was established in 1987 can also be found in the Prix Ars Electronica?s large online archive.
Prix Ars Electronica is organized by Ars Electronica Linz GmbH and ORF Upper Austria in collaboration with Brucknerhaus Linz and OK Center for Contemporary Art. Prix Ars Electronica is supported by City of Linz, Province of Upper Austria, Liwest Kabelmedien GmbH and voestalpine. Special thanks to KulturKontakt Austria, Pöstlingberg Schlössl, Casinos Austria and Sony DADC.
Idea & Concept
Idea: Hannes Leopoldseder
Concept: Christine Schöpf (ORF),
Gerfried Stocker (AEC)
Head of Department Festival / Prix: Martin Honzik
Project Organisation: Bianca Petscher, info@prixars.aec.at,
0043-732-7272-79
Así suena la última referencia (y van treinta y una) publicada en el netlabel Larraskito (la imagen que acompaña este post la publicó alguno de los anónimos participantes de la larga retahíla de comentarios suscitados en su propia web).
[larr31] “Desde cualquier ángulo…”
La fragmentación continúa, nos estamos separando en nuestras propias opiniones que formamos para poder representarnos en la red. Pero esto no significa que no podamos desde nuestras diferencias empezar a cambiar las rutinas asesinas que nos hacen apagar el deseo de acabar con este sistema.
No se trata de crear un espacio civilizado ni de hacer música experimental, si no de experimentar nuevas experiencias colectivas dentro de esta fragmentación, de socializar nuestra urgencia y de vomitar nuestra alienación.
No esperemos nada de organizaciones establecidas, ni de maneras habituales de realizar política. Las malas experiencias nos han llevado durante muchos años a la desconfianza. Tampoco esperemos nada del arte para mejorar nuestras condiciones ni hacernos más conscientes.
Tantos círculos cerrados (música experimental, EAI, estética relacional, arte social, web 2.0…) fomentando la fragmentación para despolitizarnos. Hemos creado nuestros propios nichos que en estos momentos necesitamos dinamitar si queremos cambiar esta realidad.
¿Como podemos estar juntos en la red, en los blogs, en los foros… no para ganar prestigio ni reconocimiento sino hacer realidad nuestras ansias de revolución?
El estar conectado se ha convertido en una condición contemporánea necesaria para no quedarte fuera.
Pero el estar dentro es adentrarte aún más el desierto de la insatisfacción.
Desde cualquier ángulo se puede empezar la insurrección.
Estaba buceando por uno de mis discos duros y he encontrado un documento de texto titulado Ruido que he abierto por curiosidad porque no tenía ni la más mínima idea de qué era. Resulta que es algo que escribí allá en junio del 2008, no recuerdo ni por qué ni para qué. Leído ahora me resulta bastante curioso, en parte porque es una de esas cosas que había eliminado totalmente de mi memoria, pero también porque no sé si acabo de entender muy bien lo que planteo yo misma, que como muchas cosas que escribo es una deriva entre fragmentos varios de ideas fugaces que no acabo de ser capaz de expresar muy bien con palabras (y seguramente ya hay mucha gente que las ha expresado mejor que yo). Pero bueno, como me ha resultado gracioso toparme con semejante cosa lo dejo por aquí:
Oír significa percibir sonidos, mientras que escuchar implica prestar atención a lo que se oye. Oír es un acto involuntario, un fenómeno fisiológico ligado a la percepción del espacio y del tiempo. Escuchar es un acto voluntario e intencionado. Oír y escuchar serían equivalentes a ver y mirar, pero con una gran diferencia, podemos cerrar los ojos, pero no los oídos. Sin embargo, la mayor parte del tiempo el sentido que impera en nuestra vida cotidiana no es el oído, sino la vista, tendemos a obviar bastante lo que oímos, a no ser que invada totalmente nuestro espacio y se convierta en ruido. Pero, ¿qué es el ruido? ¿Un sonido demasiado fuerte? ¿Un sonido que impide escuchar?
Si el ruido es un sonido que impide escuchar, la música noise no se basaría en la escucha, sino en la contaminación del espacio y en la dislocación del cuerpo.
Hace unos meses, al salir de un concierto de Carlos Giffoni una amiga me comentaba que se sentía como al salir de un baño de hidromasaje. En otra ocasión, después de ver a Alva Noto otra amiga me decía que había sentido las vibraciones del sonido en todo el cuerpo y que se sentía cansada, como si hubiese pasado por una experiencia física/mental de cierta intensidad. En un concierto de noise durante el Sonar del año pasado, me senté con un par de amigos al fondo de la sala y hubo un momento en el que los tres sentimos como si se nos girase el hígado. Incluso una vez alguien me explicó que una de las experiencias más intensas por las que había pasado había sido en una actuación de Zbigniew Karkowski, en la que había creído levitar.
En estos ejemplos, las sensaciones percibidas no fueron provocadas por la melodía, ni el ritmo, ni la armonía ?los tres componentes intrínsecos a la composición musical?, sino por la vibración de las ondas sonoras y la intensidad del volumen, que niega al oyente la posibilidad de abstraerse. Según Roland Barthes, la base de la música es el ritmo, gracias al cual la escucha deja de ser pura vigilancia para convertirse en creación. De esta idea se desprende que no es posible la presencia de música en la ausencia de ritmo, pero creo que se podría decir que existe otro tipo de creación musical, la basada en la deriva, en el flujo inestable e inconstante. En ese caso, la principal función de la música ya no es sentimental, sino física, prescindiendo de los componentes puramente emocionales y/o intelectuales en favor de los corpóreos y/o espaciales.
Martin Heidegger pensaba que para oír un ‘ruido puro’ hay que adoptar una actitud muy artificial y complicada, porque lo que oímos no son ruidos indeterminados, sino concretos, como una moto o el viento. En el caso del noise sí oímos ‘ruidos puros’. No obstante, al alejarnos del papel tradicional del oyente y percibir el sonido como algo palpable, la actitud adoptada no resulta ni artificial ni complicada, lo sería si nos limitásemos a escuchar, en cuyo caso supongo que la experiencia sería simplemente molesta.
Diagonales: sonido, vibración y música es un recorrido por el sonido y la música a través de una serie de creaciones de los últimos 50 años que serán mostradas en varias exposiciones de veinte centros de arte contemporáneo de Francia, Bélgica y Luxemburgo. La primera exposición se inaugura el 11 de febrero, mientras que la última acabará en enero del 2011.
Diagonales propone una “partición geográfica”. Centrándose en el aspecto histórico de la colección con la figura de Max Neuhaus, la influencia de John Cage en los temas del silencio y las variaciones, o la de Bernard Heidsieck, John Giorno y Henri Chopin en el ámbito de la poesía sonora, el evento también presenta la contracultura del rock con piezas de Steven Parrino y Christian Marclay o incluso los sistemas autogenerativos de Celeste Boursier-Mougenot y Pascal Broccolichi.
Lista completa de exposiciones
He de decir que esta entrevista/radioperfomance, como la llama no sin dudas, el propio Miguel Álvarez-Fernández en la presentación del mismo me ha “impactado con alegría”. Estaba por la calle, con mi Ipod de última generación escuchando un programa sobre/con/de Ruido y pensamiento crítico sobre el Capitalismo. Y estaba alegre porque de alguna manera me gustaba lo que estaba escuchando y no sé si el gusto debería ser sacado del contexto en el que se insertan los discursos de Mattin. ¿Se puede disfrutar con esto? Es una pregunta abrazafarolas ya lo sé…
A Mattin lo conocí hace unos años, en Arteleku, y allí, cuando estábamos hablando/conversando/entrevistándonos sobre el proyecto “Copy Your Idols” recuerdo que me pareció un tipo con las ideas claras, de las que probablemente podríamos disentir, pero siempre agarrado, quisquillosamente, a los matices. Es decir que su discurso estético, político, social no es ni más importante, ni revelador, ni siquiera tremendamente cotidiano… esa mezcla dispareja es la que más “me gusta”. Este trabajo para Ars Sonora está lleno de matices, diría que las voces retorcidas o los silencios forman parte de un matiz, lo importante no es cuál, sino que existe ese discurso complejo pero que al mismo intenta desentrañar, sin imponer dogmas, “las políticas y el ruido”. El resultado, ciertamente no es divulgativo, pero yo os lo recomiendo encarecidamente y con unos buenos auriculares.
No me quiero poner hagiográfico, además con decir que actuará en la próxima edición del Festival Internacional ZEMOS98, puedo caer en una especie de falso interés mediático por él del que es complicado distinguir la opinión del autobombo… no obstante no quería olvidarme del trabajo similar “Feedback Conceptual” que ya me gustó mucho, e incluso hice una versión para Radioactivos.
Así que bueno, Ruido y Capitalismo está ahí, con su blog y todo, y esperamos la versión en español pronto. Y todo lo demás en mattin.org
Agradezcamos a Ars Sonora la posibilidad de acceder a través de la Radio pública y sobre todo a través de Internet a un proyecto sonoro de estas características. Existen dos programas sobre Ruido y Capitalismo, en el podcast de RNE de momento sólo está el primero. Actualizaré el post con el segundo.
[See post to listen to audio]
Sonic Acts XIII ? The Poetics of Space
Spatial explorations in art, science, music and technology
February 25-28, 2010 :: Paradiso, de Balie, NIMk and STEIM, Amsterdam
The thirteenth Sonic Acts Festival in Amsterdam is entirely dedicated to the exploration of space in performative and audiovisual art, film, music and architecture. Sonic Acts XIII – The Poetics of Space examines the importance of physical space in times of far-reaching technological developments, and the physical and psychological impact of spatial designs.
Researching spatiality in the arts forms the core of the festival. How is space defined by a work of art? What does a viewer or listener experience? How do technological artworks deal with the visual, auditory and psychological aspects of spatiality? How has the relationship between technology, space and architecture developed over the past few centuries? How have technological developments influenced our perception and representation of space, and how do we relate to the space that surrounds us?
The programme comprises an overview of recent works and experiments – spatial audio compositions and audiovisual installations – and includes relevant historical examples and utopian ideals and dreams of the 20th century.
Fieldcore es una iniciativa creada recientemente por los artistas sonoros y fonografistas Lasse-Marc Riek, Olivier Nijs y Tobias Fischer. La idea se les ocurrió tras un evento llamado Whatnight#3 celebrado en la localidad holandesa de Tilburg, el cual estuvo dedicado a la ‘estética de datos’ y en el que el registro y la transformación de sonido ambiental tuvieron un papel destacado. De hecho, estuvimos por allí y captamos parte de lo que sucedió en imágenes.
El objetivo de esta comunidad es promover las actividades de, como ellos lo denominan ‘the hardcore field recording artist’; esto viene a ser, defender el lado mas intenso y ‘real’ del trabajo con grabaciones de campo, que es la propia escucha, la inmersión en el entorno (natural en este caso) y en los instantes de la grabación, dando énfasis a los aspectos ecológicos de esta actividad.
Desde su creación hace apenas un par de meses, en Fieldcore va apareciendo regularmente todo tipo de información y documentación relacionadas con esta actividad y pronto comenzarán a realizar algunos eventos y actividades. Para estimular ese espiritu, han elaborado un ‘manifesto’ sobre como realizar grabaciones lo más ‘eco-friendly’ y ‘neutrales’ posible. Aunque más que nada , creo que debe ser leido a modo de guía inspiracional sobre lo que significa esta práctica y las decisiones y aspectos que conlleva, con el objetivo de crear consciencia y promover la discusión.
Pushing a record button on a recording device is something everyone is probably able to do. Every cellphone these days is able to record sound. Fieldcore aims to address to artists and enthusiasts who are willing to push the limits to finally capture the ultimate recording and at the same time being environmental friendly. Being one with your surroundings and living the recording process. It was never said that creating a climate neutral work was easy.
TUNEY TUNES: an exhibition of sound and image
Paul Panhuysen and Nico Parlevliet in Teekengenootschap Pictura, Dordrecht January 16 until February 21, 2010:
Opening of exhibition and presentation of the publication Tuney Tunes (dvd included)
Saturday January 16, 2010 at 17.00 hrs by prof. dr. Kitty Zijlmans.
Finishing sunday February 21, 2010 at 15.00 hrs
with a performance by Paul Panhuysen en Nico Parlevliet
Pictura, Voorstraat 190, Dordrecht
SYMPOSIUM CITY TUNES
29-01-2010: SYMPOSIUM CITY TUNES ‘GELUIDSKUNST IN DE STAD’ IN HET CBK DORDRECHT
In het kader van de tentoonstelling Tuney Tunes wordt op 29 januari 2010 van 13-19 uur in het Centrum Beeldende Kunst Dordrecht het symposium City Tunes georganiseerd met als thema ?Geluidskunst in de stad?. Verschillende geluidskunstenaars zullen presentaties en lezingen houden en discussiëren over de mogelijkheden van geluidskunst in de stedelijke omgeving. Deelnemers zijn behalve Paul Panhuysen en Nico Parlevliet, Edwin van der Heide, Paul Devens, Cilia Erens, Peter Veenstra (Lola landscape architects), Geert-Jan Hobijn (Staalplaat Sound System), Justin Bennett en Taco Stolk. Gespreksleider is Andrée van de Kerckhove, juryvoorzitter WitteveenBos-prijs voor KunstTechniek.
Tentoonstelling en symposium zijn een initiatief van Ina Boiten, kunsthistoricus en buitenpromovendus Public Sound Art aan de Universiteit Leiden.
Estupendo recopilatorio de textos acerca de Anarquia D.I.Y., dentro de la clase de Curt Cloninger en MMAS. De Marx, a Benjamin, Debord, Barthes, Critical Art Ensamble, Banksy, y más.
There is a rich and instructive history of 20th century art that uses media tactics to subvert political and corporate institutions. In this course, students will be introduced to the theory, history, and best practices of tactical media art through reading, dialogue, exposure to various artists, and do-it-yourself projects in practical anarchy.
link al site de Curt Cloninger
Según informaba hace unos días Defense News, la policía y las fuerzas del orden israelíes van a empezar a controlar a las multitudes de manera ‘no letal’ con un cañón de ondas de choque que hasta ahora era utilizado por los granjeros para espantar a los pájaros.
Semejante cacharro, llamado Thunder Generator (generador de truenos) ya ha sido aprobado por el Ministro de Defensa israelí para poder fabricar versiones militares, y su función es, básicamente, provocar estallidos de sonido ensordecedores.
La máquina funciona con una mezcla de petroleo líquido, gas y aire que genera una serie de ondas de choque con un volumen atronador. El sistema es capaz de producir entre 60 y 100 ráfagas por minuto.
La empresa que lo fabrica afirma que “funciona de una manera muy controlada y segura, usando el carburante más barato (un disparo cuesta menos de 5 céntimos) y limpio disponible”, mientras que por parte del ejército israelí el comentario es que “es mucho más seguro, barato y, en muchos casos, más aceptable políticamente que otros materiales explosivos”. Lo cierto es que disparado a menos de 10 metros puede ser letal o provocar daños permanentes.
Es un buen plan por parte de los militares; un arma más segura, barata y sencilla que la fuerza bruta… No he encontrado ninguna muestra del sonido, pero casi mejor, ¿no?
Hace tiempo que en el mundo del arte digital se usa, y hasta abusa, del error para generar piezas de todo tipo, a estas alturas podríamos decir mucho sobre el glitch. No obstante, el error existe desde que existe la humanidad, probablemente incluso antes, así que la historia de la disfunción viene de largo, aunque quizás podríamos decir que no gozó de cierto estatus en el mundo del arte hasta mediados del siglo XX.
En septiembre pasado MIT Press publicaba el libro Cracked Media: The Sound of Malfunction de Caleb Kelly, no he tenido el gusto de leerlo, pero a simple vista parece interesante. El tema central es cómo muchos músicos y artistas sonoros, desde Cage a Yasunao Tone, manipulan, y rompen, dispositivos y elementos varios para crear sonidos nuevos.
From the mid-twentieth century into the twenty-first, artists and musicians manipulated, cracked, and broke audio media technologies to produce novel sounds and performances. Artists and musicians, including John Cage, Nam June Paik, Yasunao Tone, and Oval, pulled apart both playback devices (phonographs and compact disc players) and the recorded media (vinyl records and compact discs) to create an extended sound palette. In Cracked Media, Caleb Kelly explores how the deliberate utilization of the normally undesirable (a crack, a break) has become the site of productive creation. Cracked media, Kelly writes, slides across disciplines, through music, sound, and noise. Cracked media encompasses everything from Cage’s silences and indeterminacies, to Paik’s often humorous tape works, to the cold and clean sounds of digital glitch in the work of Tone and Oval. Kelly offers a detailed historical account of these practices, arguing that they can be read as precursors to contemporary new media.
The Ulysses Syndrome es definido por sus propios autores, la gente de soundwalk.com, como un viaje sonoro y poético. La idea era seguir la ruta de Ulises por el Mar Mediterráneo para capturar los sonidos de las diferentes zonas que atravesó. Algunas piezas son grabaciones de campo de lugares como Las Islas Baleares o St Tropez, mientras que otras son collages de las diferentes ondas de radio que se pueden escuchar en medio del mar. Podéis encontrar las grabaciones e imágenes en este link.
Soundwalk es una empresa dedicada al ‘new media’, especialmente a temas sonoros, y tienen un blog en el que suelen publicar cosas relacionadas con el arte sonoro, las grabaciones de campo y demás.
Seguro que si nombro a Jim Henson todos empezaréis a pensar inmediatamente en Barrio Sésamo, Los Teleñecos, Los Fraggel, etc. Vamos, en ranas y demás personajes de trapo a los que supongo que casi todos los de cierta generación (quizás más bien de varias generaciones) les tenemos cierto cariño. No obstante, a pesar de ser un personaje tan conocido por todos hay poca gente que sepa que durante una época dedicó parte de sus esfuerzos al cine experimental, y hasta a las instalaciones multimedia.
Yo personalmente había leído varias veces alguna cosa sobre los cortos experimentales de Henson, ahora mismo recuerdo algunos comentarios al respecto en el libro El sonido de la velocidad, por ejemplo, pero lo cierto es que aunque había buscado alguna vez estos experimentos por pura curiosidad nunca había encontrado los vídeos en sí. Ahora mismo casualmente me he topado con una de esas piezas, Time Piece (1965), que entraría dentro de eso que hoy se suele llamar ‘música visual’, y creo que vale la pena verla (podéis encontrar el vídeo completo a continuación).
Por si os despierta curiosidad esta vertiente de Henson y os apetece saber algo más, sólo añado que en los años 60 tenía el proyecto de construir Cyclia, un nightclub experimental para el que rodó miles de metros de película con la intención de crear proyecciones envolventes para paredes, suelo y techo. Aunque la cosa no llegó a materializarse se conservan muchas de esas películas y bocetos del espacio.
The tenth edition of the Netmage festival (Bologna, 21, 22, 23 January 2010) presents, in the historical castle of Palazzo Re Enzo, an unpredictable scenario of contemporary audiovisual research featuring live media, live cinema, concerts, performances, sound and visual installations.